Quinze ans après l’expiration du brevet international des imprimantes 3D FDM (Fused Deposition Modeling), une renaissance technologique a discrètement remodelé le design et la fabrication. Ce qui était autrefois une nouveauté est désormais devenu un outil polyvalent adopté aussi bien par les grandes entreprises que par les créateurs individuels. Ce changement a non seulement introduit de nouvelles méthodes de production, mais a également ravivé un esprit d’artisanat qui semblait disparaître dans un monde dominé par la production de masse.

Dans cette édition de « Prusa Story », nous découvrons Shin-Kougeisha, un collectif de design qui intègre les technologies de fabrication numérique, comme l’impression 3D, dans leurs processus de design et de fabrication de produits. Fidèle à son nom, Shin-Kougeisha est profondément enraciné dans l’artisanat traditionnel, mais l’aborde avec une sensibilité résolument moderne. Leur travail, qui allie un savoir-faire méticuleux à une vision philosophique claire, a attiré l’attention pour ses créations innovantes mais de haute qualité. Nos imprimantes font partie intégrante de leur processus de fabrication qui nécessite une impression 3D de la plus haute qualité.

Pour mieux comprendre leur travail, nous avons visité la « Shin-Kougeisha New Product Reservation Sale 2024 Summer » qui s’est tenue à la galerie SHUTL à Ginza, Tokyo, du 28 juin au 14 juillet 2024. Nous y avons rencontré Hiroshi Mitachi, fondateur et force directrice du groupe, qui a partagé son parcours et sa vision, tous deux profondément façonnés par la culture open source entourant l’impression 3D.

« Tilde » : transformer les imperfections de l’impression 3D FDM en œuvre d’art

Après avoir étudié le design à l’Institut de technologie de Kyoto et à son école supérieure, Mitachi a travaillé comme designer de produits pour un grand fabricant. Il a ensuite rejoint YOKOITO, une société basée à Kyoto spécialisée dans les solutions d’impression 3D, où il a dirigé le département de design. Tout en travaillant intensivement avec des imprimantes 3D à titre professionnel, il a également poursuivi des projets indépendants, conduisant à la création de la série « tilde ».

La série « tilde » se caractérise par une texture rappelant le tricot, un écart radical par rapport aux surfaces lisses et polies habituelles attendues dans le design moderne. Les imprimantes 3D FDM, qui construisent des objets couche par couche, laissent généralement des lignes visibles, souvent considérées comme un défaut. Mais Mitachi a vu du potentiel dans ces imperfections. Il a développé une technique appelée « superposition tissée » qui contrôle soigneusement le chemin de l’imprimante et le volume d’extrusion, transformant ces lignes en une texture organique et chaleureuse qui défie l’aspect froid et mécanique généralement associé à l’impression 3D. Le résultat ? Une gamme d’objets du quotidien, des vases aux stylos en passant par les abat-jours, qui mélangent forme et fonction de manière surprenante.

L’inspiration de cette approche est venue d’une expérience tactile : la sensation des tatamis, dont le « caractère glissant dans une direction » lui rappelait la texture en couches des impressions FDM. Ce lien l’a amené à considérer le processus comme une forme de tissage. Au lieu de rechercher une plus grande précision avec des couches plus fines, il a délibérément opté pour des lignes plus épaisses et plus prononcées. C’était un choix audacieux qui s’est avéré payant. Au départ, un slicer standard était utilisé, mais pour éliminer les lignes de jointure où les couches commencent et se terminent, un générateur de G-code personnalisé a ensuite été développé par Ryo Kosaka, qui a rejoint Shin-Kougeisha.

« Tilde est né du désir de transformer ce qui est généralement considéré comme un défaut – les lignes de couches visibles – en quelque chose avec son propre charme unique », explique Mitachi. « Il est intéressant de noter que la couche plus épaisse améliore également la productivité, ce qui en fait un projet qui s’aligne sur les principes modernistes en combinant esthétique et fonctionnalité. »

La série « ANOMALO » : l’attrait du déraisonnable

Shin-Kougeisha a débuté son parcours en 2020 au travers d’un projet au sein de YOKOITO, avant de devenir une LLC indépendante en 2023. Ils ont régulièrement présenté leur travail lors d’expositions et d’événements de vente, gagnant des adeptes pour leur philosophie de design, qui est ancrée dans l’idée d’un « nouvel artisanat ». Nous pouvons lire dans leur déclaration fondatrice : « Il est devenu possible de synchroniser sa sensibilité avec des machines et des phénomènes grâce aux ordinateurs, et de se mettre au défi de créer quelque chose avec un haut degré d’achèvement. C’est un peu comme lorsqu’un artisan avait autrefois son propre four. Cela pourrait être le début d’une nouvelle ère de l’artisanat. » Considérant les imprimantes 3D comme des fours modernes, l’approche artisanale du groupe en matière de design les a conduits à explorer plus en profondeur l’histoire du design.

La série « ANOMALO« , présentée lors de leur dernière exposition, incarne cette exploration. Avec ses couleurs vives et ses formes géométriques volontairement déséquilibrées, la série comprend des objets fonctionnels tels que des horloges et des radios qui remettent en question les notions traditionnelles de « bon design ». Les produits de la série sont visuellement discordants, dépourvus de la rationalité habituelle associée aux biens de consommation modernes, mais ils ont un attrait indéniable. Leur inspiration ? L’essor des produits japonais dans les années 1970 et 1980.

« Les années 1970 et 1980 au Japon ont été une époque de diversité explosive dans le design des produits », explique Mitachi. « Il y avait ces appareils chaotiques qui combinaient plusieurs fonctions domestiques en une seule forme bizarre. Au fil du temps, la production de masse a perfectionné et rationalisé les produits, et nous nous sommes orientés vers un « bon design » plus rationnel. Mais cette série, baptisée d’après Anomalocaris, une étrange créature issue de l’explosion cambrienne, nous ramène à une époque antérieure à cette rationalisation. »

Alors que la technologie d’aujourd’hui privilégie souvent des designs élégants et modulaires optimisés pour l’efficacité, les imprimantes 3D offrent la liberté de créer des objets qui ne s’adaptent pas nécessairement à ces contraintes. La série « ANOMALO » est un hommage à cette liberté, faisant revivre le type de design exubérant qui fleurissait autrefois au Japon.

Mitachi note : « La plupart des horloges sont conçues autour de la forme d’un module rectangulaire ou circulaire pour le mouvement, mais l’horloge ANOMALO démonte et réorganise le mouvement dans une forme sculpturale, provoquant un changement significatif des proportions avec le temps. Avant l’utilisation généralisée des modules dans les années 70 et 80, les ingénieurs concevaient au niveau des composants. J’ai été inspiré par leur passion et la liberté créative que cette approche permettait. »

La série « ANOMALO », ancrée dans l’esprit exubérant du Japon des années 1970 et 1980, réimagine les possibilités de l’impression 3D dans le monde d’aujourd’hui en adoptant des designs qui privilégient l’expression à la stricte fonctionnalité.

« M600 » : là où la décoration rencontre le modernisme, né du passé de Vienne

Alors que la série « ANOMALO » s’inspire de l’histoire industrielle japonaise, la série « M600 » s’inspire de l’Europe. Lors d’un voyage à Vienne, en Autriche, Mitachi a découvert de première main l’héritage du modernisme viennois. Au début du XXe siècle, la ville était à l’avant-garde d’une évolution s’éloignant des designs ornés privilégiés par la royauté et se dirigeant vers des produits plus accessibles et fonctionnels pour le public. Cette tendance, mettant l’accent sur l’efficacité et la praticité, est devenue la pierre angulaire du design moderniste.

« Lorsque j’ai vu de véritables pièces modernistes viennoises dans les musées, j’ai été frappé par la façon dont elles équilibraient la simplicité avec une décoration subtile », se souvient Mitachi. « Même dans des designs apparemment simples, ils n’avaient pas complètement abandonné l’ornementation. Le style consistant à incorporer des motifs répétables dans des formes géométriques simples semblait intuitivement compatible avec le design informatique. Cela m’a fait reconsidérer la valeur de la décoration, même dans le design moderne. »

Mitachi a observé que le rejet de la décoration comme un gaspillage provenait de la croyance selon laquelle elle nécessitait un savoir-faire manuel et ajoutait donc des coûts inutiles. Cependant, avec l’impression 3D, l’ajout d’éléments décoratifs n’augmente pas significativement les dépenses de production. Cette idée a conduit à la création de la série « M600 », qui allie une forme minimaliste à des motifs complexes générés numériquement.

L’une des pièces les plus remarquables de la série est le « M600 Stool Homage to Josef Hoffmann », qui associe un cadre en aluminium industriel à des panneaux décoratifs imprimés en 3D. Les panneaux, bien que purement ornementaux, contrastent fortement avec le cadre utilitaire, offrant un commentaire subtil sur la relation entre fonction et décoration. Le nom de la série, « M600 », est un clin d’œil à la commande G-code pour les changements de filament, un détail qui résonne auprès de ceux qui connaissent l’impression 3D.

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Réimaginer le passé : et si les imprimantes 3D étaient apparues il y a 30 ans ?

Shin-Kougeisha a exposé ses œuvres à l’échelle nationale et internationale, attirant l’attention non seulement sur l’attrait visuel de ses œuvres, mais également sur les possibilités technologiques qui les sous-tendent. Lors de leur récente exposition, ils ont utilisé des conférences et des textes pour mettre en évidence l’évolution des attitudes à l’égard de la fabrication d’objets. L’élément le plus frappant de l’exposition était peut-être une salle reconstituée du chef-d’œuvre d’architecture du métabolisme, la « Nakagin Capsule Tower Building ». Cette salle envisageait « un passé possible » dans lequel les imprimantes 3D existaient en 1985, lorsque la tour a été construite.

Dans cette scène spéculative, un ordinateur Macintosh exécute des commandes G-code sur son interface CUI, tandis qu’une « atom » – la première imprimante 3D utilisée par Mitachi à l’université – se trouve à proximité. La salle est remplie de divers produits imprimés en 3D, imaginant un monde dans lequel une telle technologie était déjà disponible lorsque la Nakagin Capsule Tower était encore à son apogée.

Avec le recul, les principes de base de l’impression 3D ont en fait été inventés au Japon en 1980. Cependant, le développement de la technologie a été retardé lorsqu’une société américaine a obtenu le brevet, empêchant sa diffusion à grande échelle jusqu’en 2009. Lorsque le brevet a finalement expiré, l’imprimante 3D open source « RepRap » est apparue, plantant les graines de la communauté florissante des makers d’aujourd’hui. L’installation de Mitachi présente une vision d’un futur qui aurait pu arriver 30 ans plus tôt.

« Lorsque j’ai découvert une imprimante 3D pour la première fois en tant qu’étudiant, j’ai été étonné de pouvoir produire des objets que je ne pouvais auparavant qu’acheter », se souvient Mitachi. « Si l’idée de ‘non seulement acheter et utiliser des produits en plastique, mais aussi de les transformer nous-mêmes’ avait pris racine il y a 30 ans, le Japon pourrait être très différent aujourd’hui. »

Dans un coin de la pièce, un diagramme arborescent retrace l’évolution de l’écosystème RepRap, montrant les nombreuses variations dérivées de la Prusa Mendel. Shin-Kougeisha s’appuie actuellement sur environ huit imprimantes 3D Prusa et dix imprimantes Ender 3, configurées pour différentes techniques d’impression. Ils ont même adapté une Ender 3 avec un moteur capable d’extruder de l’étain fondu, repoussant les limites de ce que les machines grand public peuvent réaliser.

Perspectives d’avenir : l’artisanat à l’ère du numérique

Alors que notre conversation touchait à sa fin, Mitachi s’est tourné vers l’avenir, exprimant son espoir que les jeunes designers continuent d’explorer l’intersection de l’artisanat traditionnel et de la technologie numérique. Il envisage un avenir où les imprimantes 3D ne sont pas seulement des outils de production de masse, mais des instruments capables de transmettre l’esprit de l’artisanat à l’ère numérique. « La nature open source de ces machines donne aux designers un degré de liberté sans précédent pour créer de nouvelles esthétiques, tout en honorant le passé », dit-il.

Le travail de Shin-Kougeisha reflète cette philosophie, alliant la sagesse de l’héritage du design japonais aux possibilités de la technologie de pointe. Alors qu’ils continuent de repousser les limites de ce qui est possible avec l’impression 3D, leur approche nous met au défi de repenser la relation entre l’art, l’artisanat et l’industrie dans un monde de plus en plus façonné par les outils numériques.