Quince años después de que expirase la patente internacional de las impresoras 3D FDM (modelado por deposición fundida), un renacimiento tecnológico ha reconfigurado silenciosamente el diseño y la fabricación. Lo que una vez fue una novedad ha madurado hasta convertirse en una herramienta versátil adoptada tanto por grandes empresas como por creadores individuales. Este cambio no solo ha introducido nuevos métodos de producción, sino que también ha reavivado un espíritu artesanal que parecía desvanecerse en un mundo dominado por la producción en masa.

En esta edición de las «Prusa Story,», exploramos Shin-Kougeisha, un colectivo de diseño que integra tecnologías de fabricación digital, como la impresión 3D, en sus procesos de diseño y fabricación de productos. Haciendo honor a su nombre, Shin-Kougeisha está profundamente arraigado en la artesanía tradicional, pero la aborda con una sensibilidad claramente moderna. Su trabajo, que fusiona una artesanía meticulosa con una clara visión filosófica, ha llamado la atención por sus creaciones innovadoras y de alta calidad. Nuestras impresoras son parte integrante de su proceso de fabricación, que requiere la máxima calidad de impresión 3D.

Para conocer más a fondo su trabajo, visitamos la «Shin-Kougeisha New Product Reservation Sale 2024 Summer», celebrada en la galería SHUTL de Ginza, Tokio, del 28 de junio al 14 de julio de 2024. Allí nos reunimos con Hiroshi Mitachi, fundador y guía del grupo, quien compartió su trayectoria y su visión, ambas profundamente moldeadas por la cultura de código abierto que rodea a la impresión 3D.

«Tilde»: Transformando las Imperfecciones de la impresión 3D FDM en Arte

Tras estudiar diseño en el Instituto de Tecnología de Kioto y en su escuela de posgrado, Mitachi trabajó como diseñador de productos para un importante fabricante. Más tarde se incorporó a YOKOITO, una empresa de Kioto especializada en soluciones de impresión 3D, donde dirigió el departamento de diseño. Al tiempo que trabajaba intensamente con impresoras 3D a título profesional, también llevó a cabo proyectos independientes, que desembocaron en la creación de la serie «tilde».

La serie «tilde» se caracteriza por una textura que recuerda al tricotado, un marcado alejamiento de las habituales superficies lisas y pulidas que se esperan en el diseño moderno. Las impresoras 3D FDM, que construyen objetos capa a capa, suelen dejar líneas visibles, a menudo consideradas un defecto. Pero Mitachi vio potencial en estas imperfecciones. Desarrolló una técnica llamada «superposición tejida» que controla cuidadosamente la trayectoria de la impresora y el volumen de extrusión, transformando esas líneas en una textura cálida y orgánica que desafía el aspecto frío y mecánico que suele asociarse a la impresión 3D. ¿El resultado? Una serie de objetos cotidianos, desde jarrones a bolígrafos o pantallas de lámparas, que combinan forma y función de manera sorprendente.

La inspiración para este enfoque surgió de una experiencia táctil: el tacto de las esteras de tatami, cuyo «deslizamiento en una dirección» le recordó la textura en capas de las impresiones FDM. Esta conexión le llevó a considerar el proceso como una forma de tejido. En lugar de buscar una mayor precisión con capas más finas, optó deliberadamente por líneas más gruesas y pronunciadas. Fue una elección audaz que dio sus frutos. Al principio se utilizó una cortadora estándar, pero para eliminar las líneas de costura donde empiezan y terminan las capas, Ryo Kosaka, que se incorporó a Shin-Kougeisha, desarrolló posteriormente un generador de código G personalizado.

«Tilde nació del deseo de convertir lo que normalmente se considera un defecto —las líneas visibles de la capa— en algo con encanto propio», explica Mitachi. «Curiosamente, el paso de capa más grueso también mejora la productividad, lo que lo convierte en un proyecto que se alinea con los principios modernistas al combinar estética y funcionalidad»».

La Serie «ANOMALO»: El Encanto de lo Irrazonable

Shin-Kougeisha comenzó su andadura en 2020 como un proyecto dentro de YOKOITO, convirtiéndose posteriormente en una LLC independiente en 2023. Han mostrado constantemente su trabajo en exposiciones y eventos de ventas, ganando seguidores por su filosofía de diseño, que se basa en la idea de «nueva artesanía». Su declaración fundacional reza así: «Ahora es posible sincronizar la propia sensibilidad con las máquinas y los fenómenos a través de los ordenadores, y retarse a uno mismo a crear algo con un alto grado de acabado. Es algo parecido a lo que ocurría cuando un artesano tenía su propio horno. Esto podría ser el comienzo de una nueva era de la artesanía». Al considerar las impresoras 3D como hornos modernos, el enfoque artesanal del diseño del grupo les llevó a profundizar en la exploración de la historia del diseño.

La serie «ANOMALO«, presentada en su exposición más reciente, encarna esta exploración. Con sus colores atrevidos y formas geométricas deliberadamente desequilibradas, la serie incluye objetos funcionales como relojes y radios que desafían las nociones tradicionales de «buen diseño». Los productos de la serie son visualmente discordantes, carentes de la racionalidad habitual asociada a los bienes de consumo modernos, pero tienen un atractivo innegable. ¿Su inspiración? El boom de los productos japoneses de los años setenta y ochenta.

«Los años 70 y 80 en Japón fueron una época de explosiva diversidad en el diseño de productos», dice Mitachi. «Había aparatos caóticos que combinaban múltiples funciones domésticas en una forma única y extraña. Con el tiempo, a medida que la producción en masa fue refinando y racionalizando los productos, avanzamos hacia un ‘buen diseño’ más racional». Pero esta serie, que lleva el nombre de Anomalocaris —una extraña criatura de la explosión del Cámbrico—, se remonta a una época anterior a esa racionalización».

Aunque la tecnología actual suele favorecer los diseños elegantes y modulares optimizados para la eficiencia, las impresoras 3D ofrecen la libertad de crear objetos que no encajan necesariamente en esas limitaciones. La serie «ANOMALO» es un homenaje a esa libertad y revive el tipo de diseño exuberante que antaño floreció en Japón.

Mitachi señala: «La mayoría de los relojes se diseñan en torno a la forma de un módulo rectangular o circular para el movimiento, pero el “Reloj ANOMALO” desmonta y reorganiza el movimiento en una forma escultural, haciendo que las proporciones cambien significativamente con el tiempo. Antes de que se generalizara el uso de módulos en los años 70 y 80, los ingenieros diseñaban por componentes. Me inspiró su pasión y la libertad creativa que permitía ese enfoque».

La serie «ANOMALO», enraizada en el exuberante espíritu del Japón de los años 70 y 80, reimagina las posibilidades de la impresión 3D en el mundo actual adoptando diseños que priorizan la expresión sobre la estricta funcionalidad.

«M600»: Donde la Decoración se Une al Modernismo, Nacido del Pasado de Viena

Mientras que la serie «ANOMALO» se inspira en la historia industrial japonesa, la serie «M600» lo hace en Europa. En un viaje a Viena (Austria), Mitachi conoció de primera mano el legado del modernismo vienés. A principios del siglo XX, la ciudad estaba a la vanguardia de un cambio que se alejaba de los diseños ornamentados preferidos por la realeza y se orientaba hacia productos más accesibles y funcionales para el público. Esta tendencia, que hacía hincapié en la eficiencia y el sentido práctico, se convirtió en la piedra angular del diseño modernista.

«Cuando vi piezas modernistas vienesas en los museos, me impresionó cómo equilibraban la sencillez con una decoración sutil», recuerda Mitachi. «Incluso en diseños aparentemente sencillos, no habían abandonado por completo la ornamentación. El estilo de incorporar patrones repetitivos dentro de formas geométricas sencillas parecía intuitivamente compatible con el diseño computacional. Me hizo reconsiderar el valor de la decoración, incluso en el diseño moderno».

Mitachi observó que el rechazo de la decoración por considerarla un derroche se debía a la creencia de que requería un trabajo manual y, por tanto, añadía un coste innecesario. Sin embargo, con la impresión en 3D, añadir elementos decorativos no aumenta significativamente los gastos de producción. Esta idea llevó a la creación de la serie «M600», que combina formas minimalistas con intrincados patrones generados digitalmente.

Una pieza destacada de la serie es el «M600 Stool Homenaje a Josef Hoffmann«, que yuxtapone una estructura industrial de aluminio con paneles decorativos impresos en 3D. Los paneles, aunque puramente ornamentales, contrastan fuertemente con el marco utilitario, ofreciendo un sutil comentario sobre la relación entre función y decoración. El nombre de la serie, «M600», es un guiño al comando de código G para los cambios de filamento, un detalle que resuena entre quienes están familiarizados con la impresión 3D.

Reimaginando el Pasado: ¿Y si las Impresoras 3D Hubieran Aparecido Hace 30 Años?

Shin-Kougeisha ha expuesto tanto en su país como en el extranjero, llamando la atención no sólo sobre el atractivo visual de sus obras, sino también sobre las posibilidades tecnológicas que las sustentan. En su reciente exposición, utilizaron charlas y textos para destacar el cambio de actitud ante la fabricación de objetos. Quizá el elemento más llamativo de la exposición fuera una habitación recreada de la obra maestra de arquitectura Metabolism «Nakagin Capsule Tower Building». Esta sala imaginaba «un pasado posible» en el que las impresoras 3D existían en 1985, cuando se construyó la torre.

En esta escena especulativa, un ordenador Macintosh ejecuta comandos de código G en su interfaz CUI, mientras un «átomo» —la primera impresora 3D que Mitachi utilizó en la universidad— se encuentra cerca. La sala está repleta de diversos productos impresos en 3D, imaginando un mundo en el que esta tecnología ya estaba disponible cuando la Torre de Cápsulas Nakagin aún estaba en su apogeo.

En realidad, los principios básicos de la impresión 3D se inventaron en Japón en 1980. Sin embargo, el desarrollo de la tecnología se retrasó cuando una empresa estadounidense se hizo con la patente, lo que impidió su lanzamiento generalizado hasta 2009. Cuando finalmente expiró la patente, surgió la impresora 3D de código abierto «RepRap», que plantó las semillas de la próspera comunidad maker actual. La instalación de Mitachi presenta una visión de un futuro que podría haber llegado 30 años antes.

«Cuando me encontré por primera vez con una impresora 3D siendo estudiante, me sorprendió que pudiera producir objetos que antes sólo podía comprar», reflexiona Mitachi. «Si la idea de ‘no sólo comprar y usar productos de plástico, sino también procesarlos nosotros mismos’ hubiera cuajado hace 30 años, Japón podría tener hoy un aspecto muy distinto».

En una esquina de la sala, un diagrama de árbol traza la evolución del ecosistema RepRap, mostrando las muchas variaciones derivadas de la Prusa Mendel. Shin-Kougeisha cuenta actualmente con unas ocho impresoras 3D Prusa y diez Ender 3, configuradas para diferentes técnicas de impresión. Incluso han adaptado una Ender 3 con un motor capaz de extrudir estaño fundido, ampliando los límites de lo que pueden lograr las máquinas de consumo.

Mirando hacia el Futuro: La Artesanía en la Era Digital

A medida que nuestra conversación se acercaba a su fin, Mitachi miró hacia el futuro, expresando su esperanza de que los jóvenes diseñadores sigan explorando la intersección entre la artesanía tradicional y la tecnología digital. Imagina un futuro en el que las impresoras 3D no sean meras herramientas para la producción en masa, sino instrumentos capaces de trasladar el espíritu artesanal a la era digital. «La naturaleza de código abierto de estas máquinas da a los diseñadores un grado de libertad sin precedentes para crear nuevas estéticas, sin dejar de honrar el pasado», afirma.

El trabajo de Shin-Kougeisha refleja este espíritu, combinando la sabiduría del legado del diseño japonés con las posibilidades de la tecnología punta. Mientras siguen ampliando los límites de lo que es posible con la impresión 3D, su enfoque nos reta a replantearnos la relación entre arte, artesanía e industria en un mundo cada vez más moldeado por las herramientas digitales.